I 7 problemi più comuni nella Fotografia di Food e come risolverli da professionisti

Fotografare cibo è come cucinarlo: può sembrare semplice, ma farlo davvero bene richiede tecnica, sensibilità, e un pizzico di genialità. La verità? Anche i fotografi più esperti inciampano negli stessi errori. Qui sotto ti spieghiamo, uno per uno, i sette problemi più frequenti nella fotografia di food e, soprattutto, come evitarli con metodo.

1. La Luce: il primo killer delle tue foto

Problema: Luce piatta, troppo dura o mal direzionata. Le foto sembrano “morte”, senza atmosfera né profondità.

Perché succede: La maggior parte dei fotografi si affida alla luce disponibile senza sapere davvero cosa sta facendo quella luce. Risultato? Cibo slavato, ombre che sporcano l'immagine, punti di luce sbagliati e conseguentemente prodotto non è valorizzato.

Cosa fare per risolvere questa situazione:

• Scegli una sola direzione di luce (meglio laterale o leggermente posteriore) per creare tridimensionalità e atmosfera.

• Diffondi la luce naturale con tende bianche o pannelli diffusori.

• Se usi luce artificiale, lavora con i giusti modificatori di luce per ottenere il mood che hai stabilito, e attenzione alla temperatura colore. Soprattutto se lavori con luce mista (ambiente e flash o ambiente e led)

• Mai luce frontale sul prodotto: appiattisce il piatto e lo rende meno invitante.

📌 Un buon set ha sempre almeno un pannello riflettente per bilanciare le ombre.

2. Bilanciamento del Bianco: il colore sbagliato rovina tutto

Problema: Le insalate sembrano grigie, il pollo è verdognolo, il cioccolato ha riflessi blu. In pratica: il cibo non ha un colore fedele e non è affatto invitante.

Perché accade: Il bilanciamento del bianco automatico, soprattutto in presenza di luce mista, è uno dei principali responsabili di risultati deludenti. Quando ci sono più fonti luminose con temperature colore diverse – ad esempio luce naturale accoppiata a un LED o a un flash con gelatina – la fotocamera semplicemente… va in confusione. Cerca di fare il meglio che può, ma nella maggior parte dei casi prende una cantonata.

Questo effetto è ancora più evidente quando si utilizzano gelatine correttive o creative, che alterano volutamente il colore della luce. Ma attenzione: il problema non si limita alla luce mista. C’è un altro caso molto comune che spesso non viene considerato: quando tutta la scena è dominata da un solo colore.

Immagina di scattare uno still life di food ambientato in un set completamente verde smeraldo – sfondo, props, magari anche parte del piatto. Ecco, in una situazione del genere la fotocamera, vedendo tutta quella dominante verde, penserà che ci sia un errore nella temperatura colore e tenterà di “correggerlo” da sola. Risultato? Aggiunge magenta per neutralizzare il verde… e finisce per rovinare il mood originale dello scatto.

Soluzioni per evitare il problema:

• Cerca di calibrare bene la temperatura colore della scena utilizzando l'impostazione manuale della tua fotocamera. Se non conosci il bilanciamento del bianco e come calibrarlo ho una trilogia di video in cui spiego tutto. Di seguito i link: Video 1: Bilanciamento colore e il sistema Kelvin - PRIMA PARTE, video 2: Bilanciamento colore e il sistema Kelvin - SECONDA PARTE, video 3: Bilanciamento del bianco personalizzato - TERZA PARTE

• Lavora con un cartoncino grigio medio per avere un punto di riferimento neutro, questo può essere utilizzato sia in fase di ripresa per creare un bilanciamento del bianco personalizzato o in post produzione per correggere il bianco in seguito.

• Scatta in RAW, sempre. Questo perché in caso di errori sarai in grado di correggere il bilanciamento senza degradare la qualità della fotografia.

Un cibo dall’aspetto realistico e invitante parte sempre da un colore corretto.

3. Food Styling: il contenuto conta quanto il contenitore

Problema: Il piatto è buono ma non si capisce. Ingredienti mal disposti, dettagli confusi, impiattamento povero. Zero storytelling.

Perché succede: Molti fotografi sottovalutano l'importanza del food styling. Ma il piatto, nella foto, non è solo cibo. È protagonista.

Best Practice:

• Pensa prima a cosa vuoi comunicare: comfort? freschezza? eleganza?

• Se sei tu che ti occupi dello styling, usa ingredienti freschissimi e curati nei minimi dettagli (foglie senza imperfezioni, salse lucide, tagli netti).

• Collabora con un food stylist, uno chef o una persona che sa lavorare e presentare il cibo, se possibile, oppure impara le basi dell'impiattamento: pinzette, pennelli, oli per rendere lucido il cibo e trucchi di questo genere.

• Componi la scena come se fosse un set cinematografico: ogni elemento deve avere un motivo per essere lì. Il food styling non è decorazione, è storytelling.

4. Composizione e Inquadratura: la regola dell’occhio pigro

Problema: Foto disordinate, angoli sbagliati, troppi elementi o troppo pochi. L'occhio dell'osservatore non sa dove guardare.

Perché succede: Si scatta "a istinto", senza pianificare. Ma l’istinto va allenato, altrimenti produce confusione. Oppure organizzato e pianificato, attraverso una ricerca ed elaborazione creativa in fase di pre produzione.

Come evitare questo errore:

• Applica le regole della composizione, come ad esempio regola dei terzi: il piatto principale non deve essere centrato per forza.

• Usa linee guida (posate, tovaglioli, taglieri) per accompagnare l’occhio verso il cibo.

• Cambia angolo di ripresa in base al soggetto e ciò che vuoi comunicare:

  • 90° è una scelta ideale quando si vuole ottenere un’estetica pulita, minimale, quasi grafica. È perfetta per piatti piatti—come insalate, poke bowl, colazioni su vassoi o dolci decorati in superficie—dove tutti gli elementi sono disposti orizzontalmente. Questo punto di vista annulla la profondità ma esalta l’ordine, la composizione e i dettagli, ed è spesso associato a uno stile elegante, editoriale, quasi “luxury”.

  • 45° per piatti con altezza e profondità. Come ad esempio un piatto di pasta, una lasagna ben stratificata o una colazione abbondante con più elementi sovrapposti. Questo tipo di inquadratura restituisce un punto di vista molto naturale, simile a quello che avremmo se fossimo seduti a tavola, pronti per mangiare. Ed è proprio questo che comunica allo spettatore: realismo, familiarità, connessione diretta con il piatto.

  • Lo scatto a 0°, cioè all’altezza del piatto, funziona alla grande quando vuoi valorizzare la verticalità della composizione. È l’inquadratura perfetta per burger stratificati, cocktail con guarnizioni particolari, oppure dessert a più piani. Questo angolo restituisce presenza, volume, struttura. Dà al cibo una sorta di “importanza scenica” e lo fa sembrare quasi monumentale. È un punto di vista più immersivo e teatrale, ideale per creare impatto visivo.Lascia spazio negativo: non tutto deve essere pieno.

5. Coerenza Visiva: il tuo portfolio è schizofrenico?

Problema: Ogni foto sembra scattata da un fotografo diverso. Niente stile riconoscibile.

Perché succede: Si rincorrono le tendenze del momento senza costruire una propria identità visiva.

Ecco cosa fare:

• Scegli una palette colori coerente (neutra, calda, pastello, ecc.).

• Definisci un tuo approccio alla luce (morbida, contrastata, drammatica, naturale).

• Cura la post-produzione in modo uniforme.

• Costruisci moodboard prima degli shooting per restare fedele allo stile scelto e soprattutto, al messaggio che si intende comunicare.

Se il tuo portfolio è coerente, il cliente capisce chi sei in 3 secondi, e se gli piace quello che vede ti contatterà sicuramente per ingaggiarti!

6. Post-Produzione: da alleata a nemica in un clic

Problema: Foto ultra-sature, texture perse, colori innaturali. Cibo che sembra plastica.

Perché succede: Si prova a compensare errori di scatto in post. Si esagera con clarity, vibrance, filtri.

Best Practice:

• Lavora bene in fase di scatto: cerca di ottenere il 90 /80% in fase di scatto, la post deve essere solo rifinitura.

• Esalta i colori, non li trasformare.

• Mantieni texture e dettaglio, soprattutto in piatti croccanti o cremosi.

• Usa ritocchi localizzati, non azioni drastiche su tutta l’immagine. Questo aiuta a mantenere la naturalezza del prodotto, aspetto molto richiesto nel mercato nel 2025

7. Relazione con il Cliente: il brief è la tua bussola

Problema: Il cliente voleva storytelling, tu hai fatto uno still life anonimo. Il risultato non lo soddisfa e nemmeno te.

Perché succede: Comunicazione debole. Mancanza di un brief chiaro. Scatti alla cieca.

Come evitare questo problema:

• Chiedi dove verranno usate le foto: web? stampa? social?

• Definisci insieme tono e messaggio visivo: rustico, elegante, moderno, tradizionale, lussuoso?

• Crea e condividi un moodboard prima del set e fatteli approvare. Un brief chiaro ti fa risparmiare ore e ti fa soddisfare i clienti senza troppo sforzo, perché viene dichiarato prima ciò che verrà fatto in fase di scatto e quale sarà il risultato.

• Fai approvare anche le foto test o provini durante lo shooting.

Se ti sei ritrovato in uno di questi errori, sappi che non sei solo. Ma sappi anche che esistono strumenti e corsi concreti per aiutarti a superare ogni blocco e fare il salto di qualità.

Per questo ti consigliamo di dare un occhio al video corso Foodgraphia – il video corso di fotografia di food creato da Nedo Baglioni per Imagery Academy: un percorso super pratico con esempi reali, set professionali, tecnica, composizione, styling e post-produzione.

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